Real(ity) cuts. En torno al cine de Gordon Matta-Clark
Programa de cine
La cámara acompañó a Gordon Matta-Clark a lo largo de su proceso artístico. Después de servir como instrumento de grabación para sus performances, se convirtió muy rápidamente en una herramienta de percepción del espacio arquitectónico, urbano y social donde él intervenía. De los planos que registran sus
acciones-performances a los collages y recortes de negativos, pasando por el análisis del espesor de la textura urbana, la mirada documental –que capta la desorientación espacial o la percepción alterada mediante cortes que el artista realizó en los edificios–, las películas y los vídeos de Gordon Matta-Clark están pensados, desde un principio, como una forma artística que busca explicar estas performances, exploraciones y building cuts, y que se queda lo más cerca posible de la experiencia sensible. En los building cuts, la cámara explora los elementos fundamentales del movimiento y del peso, así como su distribución en la verticalidad de los edificios. Asimismo, registra el desconcierto fruto de la confusión entre interior y exterior, la redistribución de la luz, la distorsión del sentido de la dirección –que niega las leyes de la gravedad–, la medición del tiempo y la concentración de una gran energía (que él denomina «points of energy concentration in space»). Al desafiar todo límite, el cuerpo del artista en un entorno ya construido desbarata el orden del mundo y ofrece una nueva visión del espacio urbano.
En Matta-Clark coexisten tanto la capacidad de formar cuerpo, de observar «recibiendo al mundo», como la de mirar con un ojo que se proyecta en el espacio, de lo cóncavo a lo convexo. En el artista también encontramos la facultad para pasar de una mirada vinculada al tiempo y a la historia del sujeto –en la que hay interpretación y confrontación con el pasado–, a una mirada, más «geográfica», que parece recibir el mundo tal cual. Sin embargo, debido a la historia de nuestra percepción, con el tiempo, resulta imposible reinventarse los objetos del mundo: nuestra proyección los va asociando de la misma manera, ya que observamos siempre a través del filtro de nuestra historia. Estamos ante lo que podría llamarse una neurosis de la mirada; nuestra percepción visual ya no es capaz de volver a asumir una subjetividad en su relación con el mundo.
En la obra de Matta-Clark se inicia una revolución, que consiste en dar a la mirada la oportunidad de participar completamente de las cosas del mundo sin fijarlas en una interpretación. El artista, cuando propone nuevos atractores, no trata de inventar un objeto nuevo, sino más bien de cambiar la percepción social, la percepción general. El que hace de artista debe utilizar estos atractores; rechazar la reclusión en el objeto de arte y proponer lo que se podría llamar una desobjetivización o desreificación de la mirada para ir hacia una especie de zambullida interna, que, lejos de ser una regresión, permitiría reactivar el imaginario.[1]
El programa ofrece una selección de películas y vídeos de Robert Morris, VALIE EXPORT, Charles & Ray Eames, Mika Taanila, Deimantas Narkevicius, Anri Sala, Andrée Korpys/Markus Löffler, Pier Paolo Pasolini y Stéphane Pauvret/Bérangère Jannelle, que están relacionados con lo objetivo y lo subjetivo, con el conocimiento de uno mismo y la percepción de los demás y por los demás. También se vinculan con las políticas de los cuerpos en un entorno construido –urbano y económico–, con las estructuras de poder, su representación arquitectónica, los mecanismos de control, la percepción de la historia modificada por las ideologías y utopías, la construcción de las formas sensibles de vida colectiva y «la creación de una manera apropiada de habitar juntos el mundo sensible».[2]
En este caso, se trata de relacionar proposiciones fílmicas de la década de los setenta con las de estos diez últimos años, e incluyen experiencias cinematográficas experimentales y nuevos procedimientos narrativos que van más allá de las fronteras entre documental y ficción.
Corinne Diserens
[1] Véase «Entretien avec Hubert Godard. Approche thérapeutique du corps. Maître de conférence à l'Université Paris VIII. Par Suely Rolnik» en Lygia Clark. De l'œuvre à l'événement. Nous sommes le moule. À vous de donner le souffle. Nantes: Musée des Beaux-Arts de Nantes, 2005.
[2] Véase el pasaje sobre el vídeo de Anri Sala i>Dammi i colori, pp. 86-87, Jacques Rancière: Le spectateur émancipé. París: La fabrique éditions, 2008.
Programa
15 de abril - 3 de junio
Miércoles a las 19.30 h
15 de abril
Gordon Matta-Clark
Fire Child, 1971, 9 min 47 s
Fresh Kill, 1972, 12 min 56 s
Food, 1972, 43 min
Fire Child, producida para la exposición Brooklyn Bridge Event, muestra la realización de un muro hecho con basura, latas y papel sobrante recogidos en el lugar. Fresh Kill permite seguir el proceso de destrucción de la furgoneta de Matta-Clark (a la que había bautizado como Herman Meydag) por un bulldozer en un vertedero. Forma parte de 98.5, una compilación que también incluye películas de Ed Baynard, George Schneeman y Charles Simons, presentada en la documenta 5 de Kassel (Alemania). Food explica la historia de este restaurante y cooperativa de artistas legendarios, que constituyó un hito en la historia y la mitología del Soho en la década de los setenta. Fue diseñado y construido en gran parte por Matta-Clark, quien también organizó acontecimientos artísticos y performances en ese lugar.
22 de abril
Gordon Matta-Clark
Automation House, 1971, 1976, 32 min
Clockshower, 1971-1976, 13 min 5 s
City Slivers, 1971-1976, 15 min
Automation House es un ejercicio de percepción espacial, en el que el artista utiliza los reflejos de un espejo para mostrar la gente y sus movimientos. En Clockshower Matta-Clark escaló a lo alto del edificio Clock Tower de Nueva York donde se lavó, afeitó y cepilló los dientes frente a su enorme reloj. City Slivers es una investigación formal sobre la arquitectura urbana de Nueva York. Pensada para proyectarse en la fachada de un edificio, se presentó por primera vez en la exposición al aire libre ARCADES y posteriormente en la Holly Solomon Gallery.
29 de abril
Robert Morris, Mirror, 1969, 8'
Trisha Brown, Man Walking Down the Side of a Building, 1970, 2'47
Trisha Brown, Leaning Duets, 1970, 2'
Trisha Brown, Walking on the Walls, 1971, 4'49
VALIE EXPORT, Adjungierte Dislokation, 1973, 10'
VALIE EXPORT, Syntagma, 1983, 18'
Jimmie Durham, The Man Who Had a Beautiful House, 1994, 7'27
A mediados de la década de los sesenta el artista estadounidense Robert Morris empezó a interesarse por los espacios laberínticos. En Mirror recorre un paisaje con un gran espejo cuyos reflejos percibimos como si fueran la naturaleza misma. Desde 1967 VALIE EXPORT ha concentrado su trabajo en lo que se conoce como cine expandido. Abstract film no.1 es una instalación en la que la presencia de medios naturales, como el agua, la luz y los reflejos y el punto de partida tecnológico, dan lugar a conexiones inesperadas, y al mismo tiempo fundamentalmente esclarecedoras, con el arte minimalista, el land art y el arte povera. En Adjungierte Dislokation, el uso de dos cámaras atadas al cuerpo del artista y una tercera que documenta la performance, provoca un cine directo y físico a través de la interacción entre el material, el actor y los espectadores. Syntagma trata sobre lo objetivo y lo subjetivo, sobre la conciencia de uno mismo, y la percepción de otros y transmitida por otros.
6 de mayo
Gordon Matta-Clark
Splitting, 1974-1976, 10 min 50 s
Bingo/Nights, 1974-1976, 9 min 40 s
Substrait (Underground Dailies) , 1974-1976, 30 min
Day's End, 1975, 23 min 10 s
Las películas Splitting y Bingo/Nigths documentan los cortes de edificio que Matta-Clark realizó en una casa ubicada en Nueva Jersey y otra en las cascadas del Niágara (Nueva York). En Substrait (Underground Dailies) Matta-Clark explora los espacios subterráneos de la ciudad de Nueva York. En Day's End el artista muestra el trabajo que realizó en un muelle abandonado de Nueva York durante dos meses, donde recortó parte de una puerta, del suelo y del techo.
13 de maig
Charles & Ray Eames, Powers of ten, 1977, 9 min
Mika Taanila, Futuro - a new stance for tomorrow, 1998, 29 min
Deimantas Narkevicius, Once in the XX Century, 2004, 8 min
Anri Sala, Dammi i colori, 2003, 16 min
Powers of ten, de 1977, muestra en una sola toma un recorrido que empieza con la vista aérea de un hombre en un parque de Chicago y se expande hasta los límites del universo, para recorrer también el sentido inverso y adentrarse en el mundo microscópico de su mano. Futuro, la película de Mika Taanila, relata la historia de la casa de Matti Suuronen, un hito olvidado de la arquitectura finlandesa, que refleja la arquitectura utópica de los años sesenta. También muestra su interés por temas como la movilidad, el tiempo de ocio y los nuevos materiales. En Once in the XX Century, Deimantas Narkevicius usa las secuencias de vídeo de los archivos de la televisión nacional lituana que documentan el derribo de la escultura de Lenin e invierte el orden de las secuencias. El resultado es un discurso irónico sobre la recurrencia de las manifestaciones ideológicas en varias épocas políticas, y sobre la iconoclastia resultante como una medida radical de corrección histórica. En Dammi i colori, Anri Sala documenta el proyecto postutópico de Edi Rama, artista y alcalde de Tirana, que mandó pintar con colores vivos las fachadas de los monótonos y deteriorados edificios de la ciudad albanesa. El alcalde nos habla del poder del color para anticipar una comunidad y para hacer que la capital más pobre de Europa sea la única donde todos hablan de arte en la calle y en los cafés. Pero, al mismo tiempo, los largos travellings y los planos cortos dan al traste con la ejemplaridad de esta ciudad estética y hacen patentes otras vistas que se confrontan a las afirmaciones del orador.
20 de mayo
Gordon Matta-Clark
The Wall, 1976-2007, 15 min 34 s
Conical Intersect, 1974-2005, 18 min 40 s
Sous-sols de Paris (Paris Underground), 1974-2005, 25 min 20 s
The Wall empieza con la siguiente afirmación: «En 1976, como parte de la exposición Soho in Berlin, Gordon Matta-Clark viajó a Alemania con la intención de volar una parte del muro de Berlín. Disuadido por sus amigos de llevar a cabo esta acción suicida, el resultado fue la siguiente performance». Se trata de un documento excepcional sobre una performance poco conocida del artista, que constituye el retrato histórico de un paisaje político y físico desaparecido. Conical Intersect consistió en cortar en forma de cono retorcido dos edificios del siglo XVII de la calle Beaubourg, destinados a ser demolidos como parte de la renovación urbana del barrio de Les Halles, donde se construyó el centro Pompidou. El fotógrafo y realizador de vídeos Marc Petitjean grabó el proceso de cortar el vacío cónico en los edificios, que duró dos semanas. En Sous-sols de Paris Matta-Clark explora el París subterráneo y muestra ruinas arquitectónicas, aparcamientos, túneles, osarios, bodegas, criptas y sótanos del barrio de la Ópera.
27 de mayo
Korpys/Löffler, Nuclear Football, 2004, 30 min 30 s
Korpys/Löffler, Villa Feltrinelli, 2008, 15 min
Pier Paolo Pasolini, Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975, 117 min
Desde principios de la década de los noventa Andrée Korpys (Bremen, 1966) y Markus Löffler (Bremen, 1963) han estudiado cómo se construye la realidad y cómo se representa en los medios de comunicación. Sus obras se centran en las posiciones y las estructuras de poder, y en cómo se manifiestan en la arquitectura, las jerarquías, los mecanismos de control o el uso de la fuerza. Korpys y Löffler obtuvieron un pase de prensa para filmar la visita del presidente de Estados Unidos, George W. Bush, a Berlín en mayo de 2002. El resultado fue Nuclear Football, un documento que se centra únicamente en los actos protocolarios y banales de esta visita. Villa Feltrinelli, producida para Manifesta 7, toma como punto de partida esta villa que sirvió de cuartel general para la República Social Italiana controlada por Alemania entre 1943 y 1945. Recuperada por la familia en 1946, Giangiacomo Feltrinelli la utilizó como guarida comunista, implicándose cada vez más con la militancia clandestina hasta su misteriosa muerte en 1972. En la última película de Pier Paolo Pasolini, Saló o los 120 días de Sodoma (1975), cuatro libertinos convierten la villa en su sede para un pacto orgiástico, en el que cada uno se casa con la hija de otro. En lo que resulta ser una coincidencia inquietante, los tres personajes sufrieron desfiguraciones: Mussolini en la Piazzale Loreto de Milán, Feltrinelli por los cables de alta tensión en Segrate y Pasolini en el Idroscalo en Ostia. Hoy día la villa que acogió los últimos días de estos personajes es un hotel que ofrece «un exquisito servicio para el cliente exigente que busca belleza, encanto y tranquilidad».
3 de junio
Stéphane Pauvret, Bérangère Jannelle, Sans terre (Landless), 2007, 80 min
Sans terre es una pieza de teatro basada en la historia de Douglas, un joven brasileño militante del movimiento de los sin tierra. El punto de partida es Pylades, una pieza de Pasolini que refleja la situación de un grupo de brasileños sin tierra que organizaban teatro en una comunidad. Como Pasolini en su proyecto Appunti per un'Orestiade africana, las autoras se preguntan quién es el Orestes de ese pueblo, de esa ciudad, quién es el Pílades de este asentamiento y quién es Atenea, la diosa de la democracia.
Programa de Corinne Diserens
Las películas de Gordon Matta-Clark forman parte de la Colección MACBA
Proyecciones en VO y VOS
Programa sujeto a cambios de última hora
Tel. 93 412 14 13
mrubio [at] macba [dot] cat