Francesc Abad, Comptar i numerar les pigues d’una part del braç per part dels assistents, 1973/1992/2026
 
Francesc Abad forma parte de la generación de artistas catalanes que, en los primeros años setenta, apostó por el arte de concepto y de acción como un modo de llevar el arte a un punto cero. El 1 de diciembre de 1973, en el marco de la exposición Terrassa. Informació d’Art 1973, presentada en el Instituto Industrial de Terrassa junto al Grup de Treball, Abad invitó al público a intervenir en su propio cuerpo. Como indica el título, Comptar i numerar les pigues d’una part del braç per part dels assistents documenta esta acción participativa que reivindica el azar y el elemento efímero como motores de la práctica artística.

Jordi Mitjà, Retrat de l’artista adolescent (amb ull de vellut), 1991/2026
 
Al día siguiente de un rifirrafe nocturno, Jordi Mitjà se retrató exhibiendo sus efectos. Corría el año 1991, cuando este artista ampurdanés estaba en plena época de formación y experimentación. Aunque el título de esta fotografía remite al conocido libro de James Joyce ─lectura de cabecera de la generación adolescente de los años ochenta─, Mitjà asocia esta imagen a la actitud festiva y desbordante de la escena artística del momento con figuras como el irreverente Martin Kippenberger. Jordi Mitjà trabaja con el apropiacionismo, y en los años noventa exploraba los límites entre lo que puede hacerse y lo que no puede hacerse en el ámbito de la práctica artística.

Fechas: del 14 de septiembre al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Centro Cívico de Can Gili (Camí Vell de Lliçà d’Amunt, 1, 08403 Granollers). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Museu de Granollers i Roca Umbert. Fàbrica de les Arts

Martha Rosler, Flower Fields, 1974 
 
A pesar de ser una de las primeras piezas fílmicas de Martha Rosler, Flower Fields anticipa algunos de los intereses de esta pionera, en los años setenta, en el uso del vídeo como herramienta de análisis social con un claro compromiso feminista. Con aparente simplicidad, Rosler nos recuerda que la opresión social, atravesada por cuestiones de género y de clase, se oculta en la vida cotidiana. En este caso, la artista filma, desde el interior de un coche, los campos en flor junto a un paisaje de colinas a lo largo de la autopista número 5, que recorre la costa oeste norteamericana desde México hasta Canadá. Si bien los largos planos de imágenes idílicas evocan la tradición pictórica occidental, la presencia de un coche de la policía de inmigración desplazándose a gran velocidad por la autopista deja entrever lo que se oculta bajo la belleza de los campos florecidos: la dureza del trabajo manual de los mexicanos clandestinos que trabajan en ellos. Filmada en 1974, la pieza se cierra con imágenes de los controles policiales fronterizos. Se trata de una de las pocas obras de Rosler rodadas en súper-8.

Fechas: del 19 de junio al 31 de julio de 2026

Espacio: Centro dental Enric Pintado (calle de Sant Joan Baptista de la Salle, 7, 08241, Manresa). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Centre Cultural el Casino

Jana Sterback, Cones on Fingers, 1979 (1995)/2026
 
Cones on Fingers es una de las primeras obras de Jana Sterback, una artista que indaga en nuestra relación con el cuerpo y cómo esta relación está marcada por lo que se espera de nosotros cultural y socialmente. Si bien en otras obras construye prótesis físicas y artefactos que podemos incorporar o produce trajes hechos con carne cruda, en esta pieza de 1979 enrolla cinco cintas métricas y las va colocando en cada extremo de los dedos de la mano. Una elegante mano de dedos esbeltos que, al mismo tiempo, muestra su completa disfuncionalidad (son dedos que no sirven para nada). En su trabajo, Jana Sterback ofrece una mirada crítica a los límites del cuerpo, así como a los dictámenes estéticos de la moda de cada momento.

Fechas: del 25 de agosto al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Centre Ungles & Estética (calle de Sant Josep, 17 bis, 08302 Mataró). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: M|A|C Mataró Art Contemporani

Gary Hill, Commentary, 1980 
 
Gary Hill es conocido por explorar las relaciones entre palabra e imagen electrónica. Ya en los años setenta se interesa por la naturaleza de la televisión, la lingüística y la conciencia desde una perspectiva filosófica y a menudo poética. Commentary, de 1980, es una de sus primeras obras en vídeo. Mientras el artista pronuncia un discurso, con una dicción cercana a una máquina, sobre qué es la televisión, la cámara enfoca, en primer plano, partes de su cuerpo implicadas en la comunicación, como los labios, los oídos, las manos o las cuerdas vocales. Si bien Hill replica la intensidad y rapidez de las imágenes televisivas, la lentitud de su voz y una forma de utilizar la imagen fragmentada y opuesta a los estándares videoclipados de la televisión, contiene una crítica a este medio. Como en otras obras, Hill utiliza el «comentario murmurando» o «comentario como banda sonora», un recurso en el que el sonido actúa como un elemento de la instalación con un efecto inmersivo, aunque a veces resulte incomprensible.

Fechas: del 1 de octubre al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Cinema Catalunya (calle de Sant Pere, 9, 08221 Terrassa). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Sala Muncunill

Vito Acconci, Three Frames Studies, 1969-1970
 
Las célebres, provocadoras y, a menudo, radicales prácticas artísticas del estadounidense Vito Acconci evolucionaron desde la poesía inicial hasta el arte conceptual, desde los trabajos con la voz hasta las acciones con todo el cuerpo y la performance, desde el cine en súper-8 hasta el vídeo. Una evolución que tiene uno de sus momentos álgidos a finales de los años sesenta y en los setenta, cuando produce un conjunto de obras que experimentan con su propio cuerpo y con el cuerpo de otros a partir de movimientos mínimos como rozamientos, aberturas, estiramientos y desplazamientos, pero también de la relación del cuerpo con la cámara. Es el caso de Three Frames Studies, de 1969-1970, una de sus primeras películas, en la que Acconci lleva a cabo una serie de acciones como correr en círculo, saltar o empujar a un compañero, teniendo en cuenta que los límites físicos de la acción se refieren también a los límites del propio fotograma de la película. Tres estudios de encuadre que le permiten entablar un diálogo entre artista y espectador, al tiempo que borran las fronteras entre objeto artístico y experiencia compartida.

Fechas: de mediados de septiembre al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Club Natació Sabadell Can Llong (calle Budapest, 1. 08206, Sabadell). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Museu d’Art de Sabadell

Ana Muller, Sant Just Desvern, 2007/2026
 
En los años sesenta, cuando apenas había fotógrafas especializadas en arquitectura, Ana Muller decidió dedicarse a este género fotográfico. Desde entonces, ha documentado desde procesos de construcción de edificios emblemáticos como el Museo Guggenheim de Bilbao hasta transformaciones urbanas como las que se han producido en la zona metropolitana de Barcelona. Por encargo del MACBA, entre abril y octubre de 2007 fotografió los barrios suburbiales de la ciudad. Muller optó por documentar la construcción horizontal de los barrios de clase media acomodada de Sant Just Desvern y Sant Quirze del Vallès. Su serie en blanco y negro captura la ciudad difusa o el urbanismo disperso, con calles de casas pareadas alejadas del centro urbano. Con un encuadre muy calculado que bebe de su bagaje en fotografía arquitectónica, opta por instantes humildes y cotidianos, capturando exteriores que permiten entender interiores.

Gordon Matta-Clark, Splitting, 1974
 
En la Nueva York de los años setenta, ante la falta de espacios de trabajo, muchos artistas ocuparon antiguas naves industriales del bajo Manhattan que estaban deshabitadas. Gordon Matta-Clark fue uno de ellos. Pero lo que inicialmente respondía a una necesidad, pronto se convirtió en un lenguaje creativo y una forma de activismo crítico con el uso capitalista de la arquitectura y el modelo de vida norteamericano, contra el que proponía un uso colectivo de los espacios. Este artista formado en arquitectura empezó a practicar lo que él denominaba building cuts o «cortes de edificios». Documentando edificios abandonados, los intervenía sierra en mano vaciando o seccionando figuras geométricas en las paredes o en los suelos, o partiendo los edificios por la mitad, como en esta obra. En Splitting (Partición), el artista partió, literalmente, una de las típicas casas de clase media situada en las afueras de Englewood, en Nueva Jersey. En solo ocho años, de 1970 a 1978, Matta-Clark creó un radical e innovador corpus artístico (él lo llamaba anarquitectura) que ha influido en las generaciones posteriores de arquitectos y artistas plásticos.

Fechas: pendientes de confirmación

Espacio: Comisaría de la Guardia Urbana (calle del Arquebisbe Josep Pont i Gol, 8, 43005 Tarragona). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Mèdol – Centre d’Arts Contemporànies de Tarragona

Xavier Ribas, Sin título (Campo de fútbol). Serie: «Domingos», 1994-1997/2026
 
Las fotografías de la serie Domingos, como este campo de fútbol capturado a mediados de los años noventa en algún punto de la geografía catalana, condensan el interés de Xavier Ribas por rastrear los hábitos de vida contemporáneos. Este reconocido fotógrafo barcelonés ha llevado a cabo varios trabajos sobre la ciudad, centrados especialmente en la noción de periferia. Realizada entre 1994 y 1997, Domingos es una de sus series más emblemáticas. Ribas recorrió polígonos, descampados y zonas residuales de la Barcelona metropolitana convertidos de forma espontánea en espacios de ocio de fin de semana. Fotografió a familias haciendo picnic, niños jugando, adultos durmiendo la siesta, leyendo o simplemente descansando. De acuerdo con una lógica urbana a menudo excluyente y una forma de entender el ocio como una actividad organizada, son los habitantes quienes, con toda la fuerza creativa de las comunidades humanas, resignifican espacios todavía no codificados.
 
Fechas: del 19 de junio al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Complex Esportiu Municipal d’Alella (calle de Pau Vila, 5, 08328, Alella). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Espai d’Art i Creació Can Manyé

Fina Miralles, Translacions. Herba flotant al mar [Documentació de l’acció realitzada el novembre de 1973 a Premià de Mar, Espanya] , 1973 (1992)/2026
 
El diálogo con la tierra, el mar y los ritmos de la naturaleza atraviesa toda la obra de Fina Miralles, desde sus primeras acciones a principios de los años setenta hasta las últimas, en 2020. Translacions es una de las obras más conocidas de esta artista pionera del arte de acción en Catalunya. Se trata de un conjunto de acciones realizadas en noviembre de 1973 en las que Miralles se plantó en la tierra hasta los muslos, como si fuera un árbol; desplazó arena de la playa hasta un campo de cultivo; o hizo flotar panes de hierba sobre el agua del mar. En esta última acción, como documentan estas fotografías, Miralles transportó hasta la playa de Premià de Mar un conjunto de panes de hierba de 40 x 40 cm que se habían plantado en Sabadell. Arrastrados con una barca hasta mar adentro, la flotación duró unas tres horas.

Fechas: del 7 de julio al 25 de septiembre de 2026

Espacio: Espai Jove la Nau (calle de Baltà de Cela, 45-47, 08720 Vilafranca del Penedès). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Sala dels Trinitaris

Iván Argote, Caricia, 2012 
 
Tomando la ciudad como campo de acción, el artista colombiano Iván Argote se infiltra en la cotidianidad urbana para activar encuentros y plantear interrogantes sobre nuestra relación con los demás. Caricia apunta en esa dirección. Como en otras de sus propuestas, Argote sitúa la acción en el espacio público. En 2012, el artista grabó a una pareja de enamorados en el Jardín de las Tullerías de París. En un vídeo de poco más de tres minutos, la sombra del fotógrafo acaricia a los miembros de la pareja, que, a su vez, se están acariciando. Caricia sobre caricia. Un contacto intruso pero tierno, que participa de forma anónima en su intimidad. Activista del contacto y la relación, Argote despliega la práctica artística como una experiencia activadora de espacios de encuentro y una exploración de la alegría de compartir. Sin renunciar al humor, Argote ensaya otras dinámicas relacionales para abrir el campo de lo posible y trazar nuevos horizontes de sentido.

Espacios:
– Farmacia Auqué, del 19 de junio al 3 julio (calle Sant Antoni, 11, 08440 Cardedeu). Consulta el horario y cómo llegar.
– Farmacia Palou, del 3 de julio al 17 de julio (calle de la Mare de Déu del Pilar, 124C, 08440 Cardedeu). Consulta el horario y cómo llegar.
– Farmacia Amat, del 31 de julio al 13 de agosto (calle de la Mare de Déu del Pilar, 34, 08440 Cardedeu). Consulta el horario y cómo llegar.
– Farmacia Ferrer Alibés, del 4 de septiembre al 18 de septiembre (Diagonal Fiveller, 8, 08440 Cardedeu). Consulta el horario y cómo llegar.
– Farmacia Llongueras, del 18 de septiembre al 2 de octubre (carretera Dosrius, 90, 08440 Cardedeu). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Museu Arxiu Tomàs Balvey

Jana Sterback, Cones on Fingers, 1979 (1995)/2026
 
Cones on Fingers es una de las primeras obras de Jana Sterback, una artista que indaga en nuestra relación con el cuerpo y cómo esta relación está marcada por lo que se espera de nosotros cultural y socialmente. Si bien en otras obras construye prótesis físicas y artefactos que podemos incorporar o produce trajes hechos con carne cruda, en esta pieza de 1979 enrolla cinco cintas métricas y las va colocando en cada extremo de los dedos de la mano. Una elegante mano de dedos esbeltos que, al mismo tiempo, muestra su completa disfuncionalidad (son dedos que no sirven para nada). En su trabajo, Jana Sterback ofrece una mirada crítica a los límites del cuerpo, así como a los dictámenes estéticos de la moda de cada momento.

Fechas: del 19 de junio al 23 de agosto de 2026

Espacio: Hache Ungles (calle de la Riera, 37, 08302 Mataró). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: M|A|C Mataró Art Contemporani

Pepe Espaliú, Vídeo de l’acció «El nido» (Arnhem, Holanda), 1993  
 
En verano de 1993, Pepe Espaliú realizó la acción El nido en el festival Sonsbeek de Arnhem, en los Países Bajos. El artista construyó una pequeña plataforma de madera alrededor del tronco de un árbol, a modo de nido. La acción consistió en caminar en círculos sobre la plataforma durante ocho días, sacándose una pieza de ropa al día, que iba dejando caer al suelo. El último día, caminó desnudo. Esta es una de las últimas obras de Espaliú, que había sido diagnosticado de sida tres años antes en Nueva York y que optó por visibilizar, en su arte, la lucha contra el virus y todas sus derivas de estigma social. La acción se vincula también a la vertiente más espiritual de la obra de Espaliú, interesado en los derviches giróvagos, quienes giran sin cesar sobre el eje vertical de su propio cuerpo hasta lograr un estado entre hipnótico y místico.

Fechas: pendientes de confirmación
 
Espacio: Hospital General de Mollet del Vallès (Ronda dels Pinetons, 6, 08100 Mollet del Vallès). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Fundació Municipal Joan Abelló

Marc Vives, Es que ahora no puedo (II), 2020
 
En marzo de 2018, Marc Vives se impuso la rutina de ir a nadar para explorar la vertiente de la montaña de Montjuïc de Barcelona desde el mar. Todos los días, con una cámara sujeta a la cabeza y emitiendo sonidos y cantos mientras nadaba, compilaba materiales como imágenes y audios, con la voluntad de retener impresiones y vivencias de la montaña. Más adelante, cuando expuso la obra, el artista recibía a pequeños grupos de personas con las que compartía la experiencia y a quienes dedicaba performances privadas. Con todo este conjunto, el material gráfico compilado desde el mar y las canciones de sus performances, Vives configura una obra que lleva por título Es que ahora no puedo. Planteado como un calendario o dietario de momentos marítimos, este conjunto de fotografías y vídeo reivindica el mar como espacio de creación y el canto como práctica que nace de la mirada de quien nada.

Fechas: de mediados de septiembre al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Institut Ticeris (calle Joan Fuster i Ortells, 45, 17840 Sarrià de Ter). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Sala Dolors Xabé

Ferran Garcia Sevilla, Dios bárbaro o Dieu dont de l’eau sort de la bouche. Sèrie: “Déus”, núm. 9, 1981/2026  
Ferran Garcia Sevilla, Deu aliorum o god wanted. Sèrie: “Déus”, núm. 22, 1981/2026 
 
La serie Déus, integrada por sesenta acrílicos sobre tela, corresponde a un momento, en 1981, en el que Ferran Garcia Sevilla incorpora la producción pictórica a la práctica conceptual que venía desarrollando desde los años setenta. Déus es una variación en torno al tema unitario que da título a la serie. Son cuadros de un mismo formato elaborados en blanco y negro y poblados de símbolos y figuras que aluden a los intereses del artista, tales como la violencia, el sexo o el amor. A través de una divinidad metamórfica que adopta múltiples formas, Garcia Sevilla introduce iconografía procedente de distintas culturas, religiones y prácticas pictóricas, y se vale de varias lenguas para designar a las divinidades.

Fechas: del 19 de junio al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Línia Urbana (LU) autobús urbano de Martorell. Consulta horario y recorrido. Cómo llegar

Centro colaborador: Muxart, Espai d’Art i Creació Contemporanis

Anònim, Exposicions de Joan Brossa a Espanya: a l’Acadèmia de Belles Arts de Sabadell amb amics, 1981/2026

Esta fotografía, de autoría desconocida, corresponde a la exposición que Joan Brossa presentó en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell en junio de 1981. Titulada Joan Brossa. Poesia visual i poemes objecte y comisariada por Vicenç Altaió, mostraba la línea creativa más destacada en la que el poeta y artista visual estaba trabajando en ese momento. Entre finales de los setenta y principios de los ochenta, Brossa tuvo una estrecha relación cultural y expositiva con una ciudad, Sabadell, que apostaba por la vanguardia artística a través de colectivos, galerías de arte y academias. Como se observa en la imagen, es el propio Brossa quien, en la sala de exposiciones, sostiene con un grupo de amigos una de las obras de la muestra: un poema visual en el que aparece una contundente X tipográfica, una de las últimas letras del alfabeto y al mismo tiempo una marca de eliminación o de crítica, y uno de los iconos brossianos. Podría tratarse de Poema visual amb una X gran, de 1975. Destaca la complicidad y la irreverencia festiva del grupo que aparece en esta imagen: Joan Brossa acompañado de Benet Ferrer, Alfons Borrell, Lluis Permanyer y Perejaume.
 
Fechas: de mediados de septiembre al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Mala Peça (calle del Doctor Puig, 14, 08202 Sabadell). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Museu d’Art de Sabadell

Miralda, Santa comida = Holy food. New York: Museo del Barrio, 1985

En diciembre de 1984, Miralda presentó la instalación Santa Comida en el Museo del Barrio de Nueva York. El resultado fue una obra de grandes dimensiones y alcance simbólico sobre el legado de las culturas africanas que, a través de la esclavitud, se habían implantado en América.

La cultura yoruba, originaria del golfo de Benín, en la costa oeste africana, ha mantenido sus creencias a lo largo de varias generaciones que llegaron a Cuba, Brasil, Haití, Puerto Rico, Centroamérica y Estados Unidos a través de su asimilación con el santoral católico. Un fenómeno de sincretismo que está en el origen de la llamada santería, que une cocina y religión. Gran parte de la supervivencia de la cultura yoruba tiene que ver con el ritual festivo en torno a la comida, que ofrece a cada dios Orisha los alimentos que le son propios según sus atributos. A partir de ahí, Miralda construyó siete altares dedicados a las divinidades Orisha más destacadas, con productos alimenticios y objetos de culto vinculados a cada divinidad. El libro Holy Food observa los orígenes y movimientos geográficos de una serie de productos alimenticios mostrando sus recorridos.

Fechas: del 26 de junio al 26 de julio de 2026

Espacio: Mercado del Centro (plaça de Soler i Carbonell, s/n, 08800 Vilanova i la Geltrú). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Centre d’Art Contemporani La Sala

Manel Armengol, Obrers en un míting, 1977/2026

Obreros en un mitin, de 1977, forma parte del trabajo de fotografía obrera y de lucha social que Manel Armengol llevó a cabo durante los años de la Transición española. Este fotógrafo badalonés destacó como fotoperiodista con imágenes que, mientras los medios españoles se negaban a publicarlas por miedo a la censura, eran premiadas en contextos internacionales, como la carga policial contra una manifestación pacifista en 1976, publicada en París Match, Le Nouvel Observateur, Der Spiegel o The New York Times y que dio la vuelta al mundo. Obreros en un mitin se realizó en Barcelona en el contexto de movilizaciones y reuniones obreras durante la Transición democrática.

Fechas: pendientes de confirmación

Espacio: Palacio Municipal de Reus (plaça del Mercadal, 1, 43201 Reus). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Centre d’Art Cal Massó

Allan Sekula, Life Preserver, Sestao Knutsen. Sèrie: «Methane for All», 2008/2026
 
En 2007, Allan Sekula documentó la llegada al puerto de Barcelona de los buques metaneros construidos en el norte de España, que transportan este peligroso gas desde los yacimientos de Qatar, Libia y Argelia. Sekula los fotografió desde la proa o la popa, los únicos lugares donde está permitido por razones de seguridad, ya que el simple clic de un obturador mecánico podría generar una chispa de electricidad estática y provocar un accidente. Retrató a trabajadores, así como detalles y vistas de los buques, además de la terminal de inflamables de Barcelona, desde donde se conduce el gas por conductos submarinos hasta la central térmica del Besòs, propiedad de Gas Natural. Sekula hace hincapié en la globalización del comercio y su influencia en las formas de vida contemporáneas. Con una práctica de la fotografía documental y de crítica social, parte de su obra se ha centrado en el mar como escenario en el que el tráfico internacional de grandes multinacionales despliega la lógica salvaje del capital.

Carmen Secanella, Camí de l’Esparver, 2022-2023/2026
  
Los barrios de la Marina de Barcelona, ​​situados en el distrito de Sants-Montjuïc y tradicionalmente llamados Zona Franca, viven una profunda transformación urbanística, social y humana, caracterizada por la convivencia relativamente anárquica de múltiples usos y actividades. La mutación de este territorio es la más dinámica y radical de todas las que se están produciendo en la Barcelona del primer cuarto del siglo XXI. Sin embargo, se trata de un proceso ignorado e infrarrepresentado, algo que el trabajo fotográfico de Carmen Secanella quiere enmendar. Planteado en distintas series fotográficas realizadas entre 2022 y 2023, esta fotógrafa barcelonesa captura algunas de las contradicciones de esos barrios. Dentro de esta serie, Secanella fotografía el Camí de l’Esparver, una ruta histórica y natural que discurre por la montaña de Montjuïc. Un camino tradicional de hierbas medicinales convertido hoy en una ruta saludable que conecta la zona de la Marina de Port con la parte alta, cerca del Fossar de la Pedrera.

Jordi Benito, Transformación del hielo en agua mediante el calor del cuerpo, 1972/2026 

Esta acción forma parte de las propuestas iniciales del artista Jordi Benito que, entre 1971 y 1972, se dedicó a experimentar con su cuerpo poniéndolo en relación con el entorno físico. Se trataba de acciones muy simples, que a veces desafiaban la resistencia física del cuerpo y otras, como en este caso, interactuaban con elementos. Transformaciones del hielo en agua mediante el calor del cuerpo es una de las tres piezas que Benito mostró en octubre de 1972 en la exposición colectiva Transformaciones, una de las primeras muestras del arte de acción en Cataluña. Tres piezas reunidas bajo el título de Experiencias y Transformaciones y que consistieron en varias propuestas de experimentación con los materiales a partir de sencillas acciones del cuerpo como calentar, soplar, mojar o manipular. Además de coger un cubito de hielo y calentarlo con las manos hasta licuarlo, Benito también sopló un papel de fumar y desmenuzó un trozo de barro endurecido, lo mezcló con agua y lo moldeó.

Fechas: de mediados de septiembre al 30 de noviembre de 2026

Espacios:
– Parada de autobús de Avenida de Girona – calle de Lleida (08130 Santa Perpètua de Mogoda). Cómo llegar
– Parada de autobús de Rotonda de la Font (08130 Santa Perpètua de Mogoda). Cómo llegar
– Parada de autobús de Rotonda de La Llagosta (08130 Santa Perpètua de Mogoda). Cómo llegar

Centro colaborador: Granja Soldevila

Francesc Abad, Davant / Darrere – Posició normal / posició anormal, 1972/1992/2026
 
Francesc Abad forma parte de la generación de artistas catalanes que, en los primeros años setenta, apostó por el arte de concepto y de acción como un modo de llevar el arte a un punto cero; un conjunto de prácticas plurales que priorizaban la idea y el proceso por encima del objeto. En este contexto, Abad realizó una serie de acciones corporales como las dos que se presentan aquí. En 1972, en Davant / Darrere – Posició normal / posición anormal documentó fotográficamente los diferentes ángulos de su propia cabeza, emulando un tratado clásico de composición y al mismo tiempo las fotografías policiales.

Fechas: del 19 de junio al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Peluquería Hermes (carretera de Montblanc, 2, 43800 Valls). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Museu de Valls

Onofre Bachiller, Fotomaton, 1986-2000/2026 
 
Planteada como una performance fotográfica de prospección social, en esta propuesta Onofre Bachiller situó una máquina de fotografiar en varios puntos de Barcelona: en un bar del Raval, en un centro cultural del Born, en un local gay del Eixample… El fotógrafo instalaba un trípode, un fondo, un flash y daba una perilla a los espontáneos que querían autorretratarse. Realizada entre 1986 y 2000, el resultado es un compendio visual (más de tres mil imágenes) de la década de los noventa, en sentido amplio, antes de la llegada de la fotografía digital. Un proyecto de «fotodonantes», como explica el fotógrafo, con tres premisas: «Las imágenes deben ser instantáneas, el objetivo de la foto es su propio autor y la no intervención en la escena.»

Fechas: del 19 de junio al 30 de noviembre de 2026

Espacio: peluquería Sonia Buisán (carretera del Pla, 6, 43800 Valls). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Museu de Valls

Josep Ponsatí, Eivissa, 1971

Josep Ponsatí es conocido por sus hinchables, estructuras aéreas monumentales y efímeras que construía a partir de formas modulares enlazadas. Tras un primer hinchable levantado en Granollers, en octubre de 1971 desplegó un segundo hinchable en la cala Sant Miquel de Ibiza durante el encuentro de diseñadores del International Council of Societies of Industrial Design (ICSID). Estaba compuesto por doce módulos blancos de forma ligeramente curvada y de material plástico. Cada módulo medía 11 x 3,50 metros y la pieza entera, 41 metros de longitud. Con la fragilidad y modestia de los materiales pobres y las estructuras repetitivas del minimalismo, los hinchables convocan también la ritualidad y la participación de quienes colaboraban en su despliegue.

Fechas: de octubre al 30 de noviembre de 2026

Espacio: Tanatorio Lleida (Camí Municipal de Montcada, s/n, 25196 Lleida). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Centre d’Art La Panera

Bruce Nauman, Art Make-Up, 1 967-1968
 
Como otros artistas de su generación, el norteamericano Bruce Nauman rechaza la idea tradicional de la obra de arte como un objeto independiente y defiende un arte creado a partir de la experiencia de su propio cuerpo. A finales de los años sesenta, inicia una serie de trabajos en los que interpreta distintas actividades delante de una cámara fija, de modo que introduce en el ámbito del arte la corporalidad del artista y su experiencia y manipulación en tiempo real. En este contexto renovador, entre 1967 y 1968 graba Art Make-Up, un proyecto compuesto por cuatro películas en las que el artista se cubre la cara y el torso con distintas tonalidades de maquillaje. Tituladas Blanco, Rosa, Verde y Negro, en ellas Nauman se enmascara hasta llegar a difuminar su identidad. Borrándose él mismo, tanto metafórica como literalmente, explora lo que denomina «la retirada como forma de arte.»

Fechas: del 19 junio al 31 julio de 2026

Espacio: Tien 21 (calle de Santa Eugènia, 106, 17006 Girona). Consulta el horario y cómo llegar.

Centro colaborador: Bòlit, Centre d’Art Contemporani