Los subalternos hablan, descubrimos la tele; afinamos vista y oído, y escuchamos a los grupos en peligro de exclusión. Justo delante nuestro pasan las performances hipnóticas de Sigalit Landau o las imágenes secretas de Osvaldo Lamborghini.

Antoni Abad, Judith Barry, Eugeni Bonet, Hans Magnus Enzensberger, John Grimonprez, Abdellah Karroun, Alan Pauls, Paul Preciado, Gayatri Chakravorty Spivak y tantos otros ensayistas y artistas al alcance de un clic.

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«Buena parte de su trabajo no se ve. Es sonido, es luz, es movimiento; en definitiva, es energia.» Así resume Ferran Barenblit, director del MACBA, la obra del artista griego Takis (1925-2019). La publicación presenta esta figura esencial de la vanguardia con textos de Guy Brett, crítico y comisario independiente; Michael Wellen, comisario de arte internacional de la Tate; Melissa Warack, especialista en arte y música de vanguardia; y con una entrevista de la escritora y crítica Maïten Bouisset. Los textos se centran en diversos aspectos clave de su evolución: desde su juventud en una Grecia ocupada y empobrecida hasta su interés por los materiales, la música, el magnetismo y el azar.

En 1968, el joven activista Palle Nielsen propuso al Moderna Museet de Estocolmo construir un parque infantil de aventuras en el interior del museo. Durante un mes se instaló el llamado «modelo para una sociedad cualitativa», que ofrecía un espacio solo para niños, sin padres ni educadores. En su ensayo, Lars Bang Larsen analiza la utopía de una sociedad autoorganizada que aspiraba a estimular la libertad personal y la colaboración entre los individuos. La documentación de esta obra actualmente forma parte de la Colección MACBA.

Quien se interese por las cuestiones de género, raza o clase no puede permanecer ajeno a las provocativas tesis que presenta la pensadora india Gayatri Chakravorty Spivak en este texto, que ha dado lugar a uno de los debates más encendidos hasta nuestros días. Manuel Asensi Pérez lo ha traducido y lo ha acompañado de un aparato crítico que hace accesible al lector un texto a menudo críptico.

Los trabajos de los artistas que configuran La realidad invocable se acercan a la realidad de una manera sutil, partiendo del «aquí y ahora» de esa realidad que se proponen «investigar y conquistar»: incorporando fragmentos en el espacio expositivo (Roman Ondák), convirtiendo la sala de exposiciones en un espacio real (Antonio Ortega), filmándola (Lutz Mommartz, Jeremy Deller y Mireia Sallarès), intentando dirigirla (John Smith), buscando conexiones en el espacio y en el tiempo (Enric Farrés-Duran), incidiendo en ella (Núria Güell), presentando los efectos devastadores de una realidad mediatizada (Phil Collins), evidenciando la imposibilidad de su representación (Rafel G. Bianchi) o mostrando cómo convertimos la muerte en algo irreal (Jill Magid). 

Para complementar el proyecto ¿Estáis listos para la televisión?, que se plantea de una forma inusual la relación de este medio con el arte y el pensamiento, se ha editado una publicación digital en tres idiomas (catalán, castellano e inglés). La publicación incluye los textos introductorios de Chus Martínez y Hans Magnus Enzensberger, y los ensayos de los artistas e historiadores Judith Barry, Ina Blom, Tamara Chaplin, Dora García, Mario García Torres, Johan Grimonprez, Albert Serra y Temporary Services (Brett Bloom, Salem Collo-Julin y Marc Fischer).

Esta publicación reúne 24 textos de Eugeni Bonet, escritos entre 1975 y 2013, y cuya estructura, arqueología y criba ha ido a cargo de Valentín Roma.

Los ensayos que aquí se compilan transitan por cuatro momentos diferentes: uno preliminar, donde un joven Bonet se aproximaba desde las páginas de revistas como Star y Zoom a algunos de los autores y temas que más tarde estudió con mayor conocimiento; otro, que abarca distintos artículos con los que el ensayista delimita y enuncia sus conceptos más destacados (desmontaje, imagen expandida, vocabulario de la instalación, etc.); otro, de índole genealógica, a partir de recapitulaciones sobre el pasado, el presente y el futuro del vídeo y la televisión, así como un cuarto momento donde se señalan los compañeros de viaje de Bonet durante estos años, y sus vínculos con Michael Snow, Wilma Schoen, Werner Nekes, Paul Sharits, Juan Downey y José Val del Omar.

Just davant nostre es un projecte que es va iniciar l’any 2000, quan el comissari marroquí Abdellah Karroum va començar a organitzar les Expéditions du bout du monde, uns viatges que duien artistes locals i internacionals a la regió del Rif per generar intercanvis en una zona fins llavors desproveïda d’estructures per l’art contemporani. Dos anys més tard, la iniciativa es va ampliar amb la creació de L’appartement 22 a Rabat, un espai de producció i exhibició. Al 2011 es va incorporar a aquesta xarxa la residencia internacional situada a les muntanyes del Rif, prop del Mediterrani, per tal de facilitar el treball de recerca d’alguns artistes que necessiten explorar el territori.

Desde 2004, el artista Antoni Abad ha desarrollado una serie de proyectos geográficamente diversos, multidisciplinares, innovadores y comprometidos socialmente, adaptados a la medida de las necesidades de diferentes grupos humanos en peligro de exclusión. megafone.net invita a estos grupos a expresar sus experiencias y opiniones mediante el uso de teléfonos móviles, publicando, de forma instantánea en la web, mensajes de audio, vídeo, texto y foto. Los participantes transforman estos dispositivos en megáfonos digitales capaces de amplificar sus voces individuales y colectivas.

Sigalit Landau, que empezó su carrera artística en los noventa, reinterpretó su trabajo escultórico mediante el uso del cuerpo en performances delante de la cámara. En ellos, trabaja recursivamente símbolos, imágenes, lugares y narraciones como representaciones terapéuticas de las heridas provocadas por su condición histórica, personal y cultural. La danza fenicia de la arena extrae su título de la presencia casi constante de la arena, la playa y el mar. El libro incluye y analiza las obras que se expusieron en la Capella MACBA del 21 de noviembre de 2014 al 15 de febrero de 2015. Las esculturas en vídeo de Landau, con personas y objetos que interactúan entre sí, condensan un tiempo en el que las acciones parecen no tener ni principio ni fin. Narran de una forma hipnótica la ausencia de progreso y mejora; describen la necesidad del otro, ya sea en el juego, la supervivencia o el conflicto.

Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940 - Barcelona, 1985) es uno de los escritores más particulares y fascinantes de la literatura argentina contemporánea. Con tan solo tres libros publicados en vida –El fiord (1969), Sebregondi retrocede (1973) y Poemas (1980)–, junto con Novelas y cuentos (1988), Tadeys (incompleto, 1994) y Teatro proletario de cámara 2008), que aparecieron póstumamente, su leyenda no ha dejado de crecer, ubicando al autor bonaerense en el incómodo lugar del mito.

Efectivamente, la biografía de Lamborghini cumple con casi todos los rigores del malditismo, mientras que su trayectoria rebate cualquier intento de clasificación. Sin embargo, hay una vertiente en su obra –formada por trabajos con collages fotográficos, libros intervenidos mediante imágenes y textos, carteles y dibujos– que aún se halla pendiente de una investigación más amplia. El catálogo presenta una selección de estos materiales que hasta el momento permanecían en el archivo personal del autor y que, por tanto, nunca habían sido mostrados al público.

Desacuerdos es un proyecto de colaboración institucional que se ha propuesto rastrear las prácticas, los modelos y los contramodelos culturales que no responden al tipo de estructuras, políticas y prácticas dominantes que se impusieron desde la transición en España, elaborando a un tiempo una historia crítica de tales estructuras y políticas en un momento en el que su deslegitimación y su manifiesta ineficacia no obstaculizan su continuidad como modelos de administración de la cultura y el arte. Esta publicación es la primera de una serie de ocho, en la que se dará cuenta del funcionamiento de Desacuerdos y de las dinámicas que ha generado, incluidos los "desacuerdos" que están en el corazón mismo del proyecto.

Esta segunda entrega de Desacuerdos reflexiona acerca de conceptos como contrahegemonía o biopolítica. El volumen se divide en cinco partes: Banalidad y biopolítica: la transición española y el nuevo orden del mundoPolítica cultural del gobierno español en el exterior (200-2004) Aleph, la web como espacio de acción paralela1969-... Feminismos y práctica colaborativas globalización desde abajo, e incluye también una entrevista a Beatriz Preciado.

Desacuerdos 3 pone a disposición del lector una selección de los documentos que han sido objeto de análisis, exposición y debate durante el transcurso de este proyecto. En sintonía con el ánimo general que inspiró Desacuerdos, no se pretende construir un canon de prácticas estéticas antagonistas en el Estado español sino, por el contrario, subrayar las disonancias y contaminaciones inherentes a un proceso cultural muy complejo, con el fin de contrarrestar las inercias de la historiografía dominante y apuntar posibles brechas para una investigación futura.

La cuarta entrega de Desacuerdos documenta y analiza el debate estético y político desarrollado en las filas del cine militante y de la creación en vídeo desde los últimos años del franquismo hasta el momento presente. Siguiendo el espíritu del proyecto Desacuerdos, se pretende llamar la atención sobre la fertilidad de unos discursos comprometidos tanto con la investigación crítica de los medios como con su definición como lugares de cambio social, y servir con ello de revulsivo a la construcción de narraciones históricas legitimadoras de la producción audiovisual hegemónica actual.

La quinta entrega de Desacuerdos documenta y analiza el debate estético y político que se ha abierto en las filas del cine militante y de la creación en vídeo desde los últimos años del franquismo hasta ahora. Siguiendo el espíritu del proyecto Desacuerdos, se destaca la fertilidad de unos discursos comprometidos con la investigación crítica de los medios y su definición como impulsores del cambio social.

Siguiendo con la voluntad pedagógica de los números anteriores, el sexto volumen de Desacuerdos aborda el binomio arte y educación y se inicia con las entrevistas a dos autores fundamentales en el ámbito del pensamiento vinculado a la educación: René Schérer y Jacques Rancière. A partir de ahí, el libro se adentra en las peculiaridades del contexto español y en los cambios acontecidos a raíz de la caída del régimen franquista, de modo que se van desvelando los debates, los aciertos y las carencias de la educación en relación con el arte contemporáneo en nuestro país.

Al plantear la materia de estudio de este nuevo número partimos de los artículos sobre feminismos publicados en otros boletines de Desacuerdos, así como de ejercicios de arqueología para rastrear genealogías y releer el presente. En este número se reflexiona sobre cómo resituar la singularidad de la modernidad artística del Estado español, ligada a los avatares sociopolíticos del pasado siglo; cómo seguir quebrando la oposición entre estética y política, al igual que la teoría feminista incidió en la ruptura de códigos que se expresan en dominación o supremacía; y cómo la crítica feminista, que junto a la institucional articuló las relaciones entre patriarcado, capitalismo y producción del conocimiento, negocia con la institución arte, poco permeable a las transformaciones y orientaciones epistemológicas de los feminismos.

La crítica ha tenido un lugar incierto en la configuración del sistema del arte contemporáneo en el Estado español. La demanda de una "verdadera crítica" ha sido constante a la hora de dotar de consistencia a una escena artística percibida como frágil y dependiente de intereses espurios. Este volumen propone un recorrido por algunos episodios, textos y contextos de la crítica de arte desde el final del franquismo para dar cuenta de los dilemas, debates y negociaciones que acompañaron su desarrollo. Parcial y fragmentada, la imagen que se deriva de ellos nos ayuda a entender la inutilidad de renovar esa misma demanda en el presente, ya que la crítica exige una autonomía que rara vez se ha dado en nuestra estructura del arte. A la hora de preguntarse por los lugares de la crítica en el presente habría que buscar, tal vez, en aquellos espacios donde se ensaya una nueva imaginación política.

El primer número de Índex reflexiona sobre la noción de investigación artística, y la sitúa en el centro de las actuales líneas de trabajo del Museo. Para ello este primer número ha contado con la colaboración de Bartomeu Marí, director del MACBA, del filósofo Christoph Menke, de la directora de la revista Chus Martínez, del historiador y comisario de arte Piotr Piotrowski, de la investigadora Elizabeth Suzanne Kassab, de las artistas Julie Ault y Natascha Sadr Haghighian, así como del filósofo y director del Programa de Estudios Independientes del MACBA Xavier Antich y de la historiadora de arte Johanna Burton.

El segundo número de Índex ha contado con la colaboración del escritor, profesor y activista Franco Berardi, de la historiadora del arte, crítica y comisaria Nataša Ilić, de la directora de la revista Chus Martínez, del filósofo y escritor Reza Negarestani, del colectivo artístico The Otolith Group y del filósofo, ensayista y catedrático José Luis Pardo.

El tercer número de Índex ha contado con la colaboración del director del Programa de Estudios Independientes del MACBA (PEI) Xavier Antich, de la cofundadora y directora artística de la Cinémathèque de Tanger Yto Barrada, de la escritora, comisaria, profesora asociada y vicedirectora del Museu de Arte Contemporãnea da Universidade de São Paulo Cristina Freire, del catedrático de Literatura Comparada en la Universidad de Princeton Daniel Heller-Roazen, del artista, músico y escritor Hassan Khan, de la crítica de arte Marie Muracciole y del artista mejicano José Antonio Vega Macotela.

En el marco de una nueva vía de actuación destinada a la producción de proyectos desde –que no sobre– el espacio de la Capella MACBA, el artista Armando Andrade Tudela ha realizado tres obras: dos películas rodadas originalmente en 16 mm y una pieza de pared compuesta por un gran panel de conglomerado y cinco cristales que cubren casi la totalidad de esta falsa madera. Este material, bautizado por el mercado como táblex perforado y nada fácil de conseguir en estas latitudes, le sirve también para crear un espacio geométrico en el que el espectador encuentra en cubículos paralelos las dos obras fílmicas, Synanon y Marcahuasi, rodadas durante el año 2009 y terminadas a escasos días de la inauguración de esta muestra. El módulo, que es y no es una obra, funciona como una arquitectura establecida por el artista para esta primera presentación.

La ronda és el títol que Latifa Echakhch, artista francesa d'origen marroquí, ha posat al projecte concebut per a l'espai de la Capella MACBA. Per a aquesta exposició s'han produït tres instal·lacions: Eivissa (2010), Gaya (E102) 5, Vitrail (2010) i Fantasia (2010). Com la resta d'obres d'Echakhch, aquestes peces s'inicien amb un material, una textura i un objecte que fa referència a les experiències viscudes per l'artista i que la duu a reflexionar sobre el seu passat, però també sobre el significat dels materials, les tradicions, els símbols i la seva funció social. En aquest text, Soledad Gutiérrez, conservadora d'exposicions del MACBA, proposa diferents nivells de lectura d'una obra compromesa amb el seu temps i amb la història, que parteix d'una perspectiva molt personal per generar una reflexió sobre qüestions que, pel seu caràcter polític, ens afecten a tots.

Pep Duran ha trabajado desde siempre con la escenografía, práctica que le ha permitido desarrollar propuestas y proyectos centrados en una forma particular de entender la construcción, la representación y el espacio. Una cadena de acontecimientos, la instalación específicamente realizada por Pep Duran para el espacio de la Capella MACBA, debe considerarse como una obra-ensayo: una gran intervención dividida en dos partes, Retaule laic (2010-2011) y Peça escrita (2010-2011), que recoge y a la vez destila las influencias intelectuales, formales y estéticas sobre las que pivota el modo de hacer y de pensar de este artista. Esta publicación, compuesta por textos de Jordi Puntí y Francisco Ferrer Lerín, así como de un reportage fotográfico de Rafael Vargas, propone distintos niveles de lectura del proyecto concebido por Pep Duran.

Dos objetos banales y, en sí mismos, poco elocuentes sirven para multiplicar las formas de interpretar cuestiones como el desarrollo de la cultura material, la propiedad del agua o el estatuto del sonido en una concepción del arte contemporáneo que privilegia siempre la vista y el tacto.

La escena que nos presenta Natascha Sadr Haghighian debe entenderse como una propuesta para reflexionar sobre la historia de la producción y el consumo de los objetos, sobre la importancia de esta historia en la historia de las ideas, de la cultura, y sobre la forma en que los objetos representan lo que podríamos llamar pequeños infiernos del mundo civilizado.

Una misma imagen puede ser testimonio, a la vez, del pasado y anticipar un previsible futuro.
Ignasi Aballí