Exposición

Nacido en 1931 en National City, California, John Baldessari es sin duda uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, que ha desafiado las convenciones de las prácticas artísticas haciendo un uso insólito del lenguaje y de las imágenes.
a exposición comienza con las obras realizadas por Baldessari en los años sesenta, cuando ejercía de pintor y producía, sobre todo, óleos sobre tela. Estas pinturas son una representación de las que sobrevivieron al infame Cremation Project. El 24 de julio de 1970, Baldessari quemó toda su obra anterior a 1966 que él conservaba, y guardó las cenizas en una urna en forma de libro como testimonio de los hechos. Ese acto tan drástico respondía a las dudas del artista respecto a la forma de arte dominante en aquella época y simbolizó su renacimiento artístico. La composición y el contenido de aquellas pinturas tempranas no eran nunca tradicionales, sino que ya patentizaban el ingenioso sentido del humor de Baldessari. Fascinado con la idea de que el arte se pudiera enseñar, Art Lesson (1964) y Art Lesson #3 (1967) ridiculizan los manuales de arte. God Nose (1965), una pintura de estilo pop donde se ve el cielo con una nube y una nariz flotante, juega con el título de la obra y su imaginería. Esta fascinación por el lenguaje se ha mantenido en el trabajo del artista hasta el día de hoy.
El hecho de trabajar en el aislamiento cultural de National City y no en Los Ángeles, el núcleo artístico de California, dio a Baldessari la libertad de hacer lo que quería sin estar sometido al escrutinio de un público. En 1966 empezó a fotografiar un barrio obrero de su ciudad. Las fotos eran intencionalmente mundanas y nada espectaculares, a menudo hechas desde el coche sin mirar por el visor de la cámara. Como antítesis del arte pop, Baldessari adoptó una actitud antiheroica a base de documentar acciones ingeniosas en vez de monumentalizar sus temas. Después amplió las fotos y las transfirió sobre telas, y pidió a cartelistas comerciales que pintaran encima textos igualmente prosaicos que identificasen cada lugar. Estas piezas que combinaban foto y texto crearon nuevos significados y tensiones entre imágenes y palabras, y marcaron un punto de inflexión en la trayectoria artística de Baldessari.
Más adelante, Baldessari eliminó completamente las imágenes de sus telas y dejó únicamente texto, extraído de distintas fuentes que a veces manipulaba. En Clement Greenberg (1966-1968) se reproduce un texto de este crítico que postula que el arte tiene que ver con el impacto estético, no con las ideas. En cambio, Everything is Purged… (1966-1968) insinúa lo contrario. A Painting that is its Own Documentation (1966-1968) es una obra en crecimiento constante que elabora la crónica de cada exposición, a la que se añaden nuevos paneles cuando y dónde sea necesario.
«Buscaba usar el lenguaje no como elemento visual, sino como algo para ser leído. Así, una nota tomada sobre una pintura podía sustituir a la pintura... Intentaba hacer algo que no emanara señal alguna de arte. La única señal de arte que quería era la tela... Pero la estrategia la establecía yo. Los demás montaban las telas y las preparaban con una imprimación, las llevaban al cartelista, los textos son citas de libros de arte, y el cartelista tenía instrucciones de no reproducirlos con una composición y una letra atractiva y artística, sino de escribir la información del modo más simple.»
Baldessari profundizó en el concepto de autoría con la serie Commissioned Paintings (1969), en la que contrató a artistas amateurs para producir pinturas de fotografías de una mano señalando cualquier cosa ordinaria. La serie se inspiraba en una crítica que afirmaba que el arte conceptual consistía en señalar.
La enseñanza ha sido una parte integral de la vida de Baldessari. En 1970 le ofrecieron una plaza en el reconocido California Institute of the Arts (Cal Arts), donde enseñó junto a coetáneos tan influyentes como John Cage y Nam June Paik. Estar expuesto a su obra y a sus medios respectivos, la música y el vídeo, dejó una impronta significativa en Baldessari. La música le aportó la noción de temporalidad, que él plasma mediante el uso de múltiples fotos a modo de secuencia temporal. Artist Hitting Various Objects with Golf Club (1972-1973) es la crónica del artista haciendo justamente eso en treinta imágenes. Semejantemente, en otras obras el artista se fotografió intentando exhalar el humo de un cigarro en forma de nubecillas o bien saludando a los barcos que pasaban.
Cuando el Portapak Sony se introdujo en el Cal Arts, Baldessari empezó a experimentar con el nuevo medio. Realizados inicialmente para sus alumnos, vídeos como I Will Not Make Any More Boring Art (1971), en el que el artista escribe repetidamente esta frase en una libreta como si fuese un castigo, y I Am Making Art (1971), en el que Baldessari mueve sutilmente varias partes de su cuerpo mientras recita esta frase, se han convertido en algunas de las piezas de vídeo más icónicas del artista.
Tras mudarse a Los Angeles, la proximidad de Hollywood también repercutió en la obra de Baldessari. Abordó los procesos de trabajo de la industria cinematográfica en obras como Story with 24 Versions (1974) y Scenario: Story Board (1972-1973), en las que la trama está desarrollada escena por escena.
Baldessari también se apropió de las imágenes de fotogramas que encontraba en tiendas locales y que categorizaba meticulosamente según su contenido para aplicarlas en su obra. Simultáneamente empezó a crear piezas a mayor escala, utilizando las fotografías como bloques de construcción para sugerir narrativas. En Kiss/Panic (1984) hay una provocativa yuxtaposición de una pareja besándose, con una escena de una muchedumbre aparentemente caótica debajo, rodeados de fotos de pistolas apuntándoles.
A mediados de los años ochenta, empezaron a aparecer puntos de colores sobre los rostros de los personajes. Baldessari descubrió que el hecho de cubrirles el rostro acentuaba el carácter anónimo de los personajes, lo que obligaba al espectador a centrarse en otros aspectos de la imagen para dar sentido a la escena. Pese a que se trata de obras sin texto, el lenguaje seguía teniendo un papel importante a través de sugerentes títulos, que para Baldessari son tan significativos como la pieza misma.
Bloody Sundae (1987) consiste en dos escenas diferenciadas dispuestas de tal forma que recuerdan unos postres de helado. En la parte superior, dos hombres atacan a un tercero junto a unos cuadros amontonados, mientras que en la parte inferior una pareja retoza perezosamente en la cama. Todos los rostros están cubiertos con un círculo de color. La violencia de la imagen superior combinada con la fuerza de sugestión del título insinúa un asalto inminente a la habitación de la pareja.
En la Goya Series (1997), Baldessari recuperó la estética de la serie de National City emparejando fotografías de objetos cotidianos y texto. EL áspero sarcasmo de los títulos se inspira en una serie de grabados de Francisco de Goya.
El texto también vuelve a asumir su papel de coprotagonista en la serie Prima Facie (2005-2006). Los retratos se yuxtaponen con un abanico de adjetivos que describen varias emociones o características que pueden asociarse con la expresión facial de la persona. La idea es que es imposible saber lo que está pensando una persona partiendo solo de la expresión de su rostro.
En obras posteriores, las manchas de color usurpan la totalidad del personaje, lo que resta profundidad a la imagen y hace de la forma humana una abstracción. En The Duress Series: Person Climbing Exterior Wall of Tall Building/Person on Ledge of Tall Building/Person on Girders of Unfinished Tall Building (2003) aparecen tres de esas figuras en situaciones de peligro; aun así, las siluetas coloreadas añaden a la escena un toque de humor.
Baldessari insiste en las partes del cuerpo que identifican la sensibilidad visual en las series Noses and Ears (2006-2007) y Arms and Legs (2007-2008), en las que estas partes se aíslan mientras que otros detalles del cuerpo y del entorno se colorean o bien se omiten, de modo que el espectador tiene que interpretar la obra a partir de unos elementos mínimos.
En su serie más reciente, Furrowed Eyebrows and Raised Foreheads (2009), Baldessari prosigue su exploración de la expresión humana a través de las fragmentaciones. Las obras combinan fotografías de caras y cuerpos cubiertos con capas de pintura o de collage, o bien alterados con una superposición de pintura sobre la frente y las cejas.
La escultura de la nueva obra Brain/Cloud (Two Views): with Palm Tree and Seascapes (2009) recuerda las nubes de sus primeras pinturas, Falling Cloud (1965) y God Nose.
La larga exploración del lenguaje y la imagen que lleva a cabo Baldessari, junto con su enfoque inquisitivo de la creación artística, han expandido los parámetros de lo que consideramos arte. Su tarea de educador ha tenido –y todavía tiene– un profundo impacto sobre generaciones de artistas como Rita McBride, Meg Cranston, Jack Goldstein, Allan McCollum, Matt Mullican, Richard Prince y Christopher Williams, entre otros.
Comisarios: Jessica Morgan, Leslie Jones y Bartomeu Marí. Exposición organizada por la Tate Modern de Londres y el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)